Das Städel Museum Frankfurt zeigt aktuell als Wechselausstellung noch bis zum April 2024 rund 20 Aquarelle des deutsch-rumänischen Künstlers Miron Schmückle (*1966).
Es sind surreale Mischwesen aus Pflanzen und Tierwelt, die Schmückle mit feinem Pinselstrich zu Papier bringt. Seine Arbeiten bewegen sich zwischen Hyperrealismus, präziser Naturbeobachtung und einer fast barocken, überbordenden Vorstellungskraft.
Man könnte die Darstellungen für Anleihen aus der Kunstgeschichte halten, doch hinter seinen Bildkompositionen steckt viel mehr: hier verschmelzen Schönheit und Vergänglichkeit, Anatomie und Sexualität. Wer ausschließlich Blumen sieht, hat vielleicht noch nicht genau hingeschaut …
Das Städel-Museum am Main-Ufer. Links und rechts des Aufgangs: Zwei Werke von Max Ernst.
Das große Kunstmuseum der Stadt Frankfurt ist das „Städel“, offiziell „Städelsche Kunstinstitut und Städtische Galerie“. Es geht auf eine Stiftung zurück, die der Sammler und Mäzen Johann Friedrich Städel bei seinem Tod 1815 großzügig bedachte.
Die Sammlung präsentiert Meisterwerke europäischer Kunst aus sieben Jahrhunderten, beginnend mit dem frühen 14. Jahrhundert über die Spätgotik, über Renaissance und Barock zur Goethezeit, vom 19. Jahrhundert und der klassischen Modernebis hin zur Gegenwart. Insgesamt umfasst die Sammlung heute rund 3.100 Gemälde.
Für deren Präsentation wurde 1833 ein erstes eigenes Ausstellungsgebäude geschaffen. Der heutige, im Stil der Neorenaissance errichtete Neubau am Museumsufer, wurde 1878 bezogen und ab 2008 noch einmal erheblich erweitert.
Mich interessieren weniger die mittelalterlichen Meister, dafür umso mehr die Moderne, die im ersten Obergeschoss gezeigt wird. Alle bedeutenden Stilrichtungen zwischen 1880 und 1945 sind dort vertreten: Kubismus, Fauvismus, Impressionismus, Expressionismus, Jugendstil, Art-Deco, Abstrakte Kunst und vieles mehr.
Hans Baldung, Johannes-Altar, ca. 1520
Joh. Heinrich Wilhelm Tischbein, Goethe in der römischen Campagna, 1787
Ernst Ludwig Kirchner, Mutter und Kind, 1924
Laszlo Moholy-Nagy, Konstruktion, 1924
Marc Chagall, Der heilige Droschkenkutscher, 1911
Max Klinger, Bildnis einer Römerin auf einem flachen Dach, 1891
Wilhelm Freddie, Pro Patria, 1941
Max Beckmann, Die Synagoge in Frankfurt am Main, 1919
Paul Klee, OhneTitel, 1932
Karl Schmidt-Rottluff, Mädchen aus dem Fenster blickend, 1924
Franz Marc, Drei Pferde II, 1913
Max Beckmann, Selbstbildnis mit Sektglas, 1919
Wilhelm Morgner, Astrale Komposition VI, 1912
Max Beckmann, Zirkuswagen, 1940
Naum Gabo, Konstruktiver Kopf No. 1, 1915
Ernst Ludiwg Kirchner, Frankfurter Westhafen, 1916
Wassily Kandinsky, Reiter, 1909
Paul Klee, Das Lamm, 1920
Max Beckmann, Frankfurter Hauptbahnhof
Eugene Bandell, Sonne am Mittag, 1913
Auguste Rodin, Eva, 1881
Henri Rousseau, Die Allee im Park von Saint-Cloud, 1908
Das 1878 eröffnete Museumsgebäude des Städels am südlichen Ufer des Mains wurde zwischen 2008 und 2012 um 3000 Quadratmeter erweitert. Es wurde eine großzügige Museumshalle angelegt und Räume im Kellergeschoss unter dem Städelgarten geschaffen.
Darin wird seitdem eine umfangreiche Sammlung mit Gegenwartskunst (ab 1945) gezeigt. Es sind dort Werke von Bacon, Warhol, Baselitz, Immendorff, Kippenberger, Richter, Polke, Meese und vieler weiterer Künstler zu sehen. Nicht mit allem kann ich etwas anfangen, doch bei einigen dieser Werke komme ich regelrecht ins Schwärmen.
Das Städel-Museum am Main-Ufer
Abgang in den neu geschaffenen Bereich für Gegenwartskunst
Eine beeindruckende Ausstellung, die mir supergut gefallen hat, wird noch bis April 2024 im LudwigMuseum am Deutschen Eck in Koblenz gezeigt: Der belgische Künstler Koen van den Broek (*1973) macht die urbane Gegenwart der US-Westküste zum Gegenstand seiner Gemälde.
Ob Bordsteinkanten, Brückenpfeiler, Hochhäuser oder leergefegte Straßen: Mit Leichtigkeit bewegt sich der Künstler entlang der Grenzen zwischen Abstraktion und Wirklichkeit.
Häufig fokussiert van den Broek auf die Details und Ausschnitte, die herausgelöst aus ihren ursprünglichen Zusammenhängen ein Eigenleben entwickeln und dabei rätselhaft bleiben.
Aus der Reduktion auf Farben, Licht und Schatten, erwachsen expressive Sichtweisen auf die Wirklichkeit. Verspieltheit, Vielfalt und Dualität sind wiederkehrende Merkmale seiner Bilder. Wilde Pilnselstriche wechseln sich mit starrer Formgebung ab, Tiefe mit Oberflächlichkeit.
Ich bin wirklich schwer beeindruckt. Einige dieser Werke hätte ich sehr gerne bei mir zu Hause an der Wand hängen. Millionär müsste man sein … 🙂
Als ob’s nur Schuhe wären: Der Sneaker, ursprünglich ein reiner Sportschuh, genießt seit den 1980er Jahren Kultstatus. Durch Einflüsse aus dem Basketball- und der Hip-Hop-Kultur eroberte er die Straßen. Später wurde zum Designobjekt der Massenkultur und schaffte es sogar auf die Laufstege großer Luxusmarken.
In Zusammenarbeit mit bedeutenden Stars und Künstler*innen entstehen heute Modelle, die weltweit gesammelt werden, zuweilen tausende Euro kosten und via Internet binnen weniger Augenblicke ausverkauft sind.
Das Forum NRW widmet dem Kultschuh eine Ausstellung, in der vor allem der Hype um die schönsten, coolsten und ausgefallensten Sneaker thematisiert wird. Daneben wird gezeigt, wo der Sneaker herkam und wie alles begann.
Es gibt Kunstausstellungen, die erschlagen einen regelrecht durch die Anzahl der Exponate und die Intensität der Objekte. So ist es uns ein wenig mit der Ausstellung von Tim Berresheim im Forum NRW gegangen. Hinterher mussten wir erst einmal eine Runde durch den angrenzenden Stadtpark drehen, um die Vielzahl der Reize zu verarbeiten.
Tim Berresheim (*1975) hat an der Kunstakademie Düsseldorf studiert und gilt heute als einer der Pioniere computerunterstützten Kunst. Seine Arbeiten sind schwer zu beschreiben und teilweise auch nicht einfach zu fassen.
Beim Rundgang durch die Ausstellung fragt man sich eingangs vielleicht „was soll das?“. Aber dann entdeckt man nach und nach in den Bildern einen roten Faden aus Elementen der Kunstgeschichte, Technologie, Wissenschaft und Natur. Berresheim selbst spricht von „Künstlerischer Gegenwartsarchäologie“.
Der gebürtige Aachener ist ein äußerst produktiver Künstler. Seine neuesten Arbeiten bezeichnet er als „Fundleere Schicht“ – ein Begriff aus der Archäologie, wenn zwei aufeinandertreffende Epochen keine gemeinsamen Artefakte hinterlassen. Berresheims will mit seinen Werken diese Lücke schließen.
Immerhin hat er es damit bereits in die Sammlungen des Museum of Modern Art (New York), und die Sammlung zeitgenössischer Kunst der Bundesrepublik Deutschland (Bonn) geschafft. Vielleicht gefallen seine Werke nicht auf den ersten Blick, aber sie sind in jedem Fall beeindruckend.
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